O Melhor Clássico Contemporâneo no Bandcamp: maio de 2023

A taxonomia da música clássica contemporânea – música nova, música contemporânea, como você quiser chamá-la – é uma questão espinhosa. Mas, todos os meses, daremos uma olhada em algumas das melhores músicas de compositores que aparecem aqui no Bandcamp, que abrem espaço para experimentação eletrônica, improvisação e abordagens poderosas de clássicos antigos.

A maior parte da música que experimentei anteriormente da compositora islandesa Anna Thorvaldsdottir forneceu representações sublimes do mundo natural - não apenas o som, mas também a atmosfera física e a topografia. A faixa dinâmica permitiu sons menores e mais frágeis, bem como estrondos estrondosos que parecem emanar do próprio núcleo da Terra. Ao conjurar uma determinada paisagem, ela mergulha simultaneamente em estados mentais inerentes, condições que podem ser adequadamente descritas por fenômenos naturais.

As duas obras orquestrais recentes abordadas neste álbum pela Orquestra Sinfônica da Islândia, regidas por Eva Ollikainen, ampliam a estética de Thorvaldsdottir, enquanto Ollikainen emprega o enorme poder de fogo da orquestra para trazer o vocabulário frágil e delicado de Thorvaldsdottir para um relevo mais nítido. Quando o ARCHORA de 20 minutos começa, há batidas de baixo violentas e maciças que sugerem galhos de árvores chicoteando em um vento varrido pela chuva, enquanto um magnífico aglomerado de cordas descendentes sinaliza um tipo mais geral de pavor que parece ciclônico. O AIŌN de três movimentos se distancia ainda mais do trabalho anterior, com uma meditação abstrata sobre diferentes iterações de tempo; a música alterna entre visualizações micro e macro, como uma espécie de experiência auditiva de realidade virtual. Os arranjos de Thorvaldsdottir abrangem as possibilidades físicas de uma orquestra de uma forma que é ao mesmo tempo emocionante e assustadora.

O veterano experimentalista Ben Vida passou quatro anos desenvolvendo as cinco peças deste hipnotizante trabalho com a pianista Laura Barger e o percussionista Russell Greenberg da Yarn/Wire de Nova York, e os resultados demoram a cravar os dentes na consciência. Essa queima lenta faz sentido considerando os detalhes dos textos de Vida, que ele recita em uma espécie de canto incessantemente rítmico - embora em fluxo constante - em conjunto com a vocalista Nina Dante. À primeira vista, os vocais parecem monótonos e impassíveis, mas com o tempo eles ganham ressonância, especialmente quando se começa a entender o fraseado em constante mudança e o jogo rítmico. No final, as performances de Vida e Dante são claramente virtuosas.

O significado dos textos parece intencionalmente confuso, com fragmentos de compreensão surgindo ao longo do tempo ou certas frases se destacando e causando um impacto indescritível. Assim como pacientemente a paisagem sonora minimalista de Yarn/Wire se revela, com novos detalhes vazando dos padrões cíclicos de piano e vibrafone compasso a compasso. Há harmonias vocais sem palavras flutuando ao longe em "Who's Haunting Who Here?" A constante nota de piano para canhotos em "Drawn Evening" assume um papel direcional, fundamentando uma paisagem sonora espaçosa e lenta que abre o trecho mais delicado e árido do álbum, mesmo quando desaparece profundamente na mixagem e seu ritmo é passado para um címbalo. O Beat My Head Hit é diferente de tudo que já ouvi há muito tempo, e se minha audição até agora é uma indicação, tem muito mais segredos para revelar no futuro.

Este surpreendente CD duplo reúne duas apresentações, gravadas em 2006 em Paris e 2020 em Los Angeles, de Naldjorlak do violoncelista Charles Curtis, que colaborou nesta peça com o singular compositor francês Éliane Radigue em 2005. Depois de passar décadas criando música eletrônica, este epic se tornou sua primeira composição para instrumentação acústica. A dupla construiu a música em torno do "tom de lobo" do violoncelo, quando um determinado tom ativa as frequências ressonantes do corpo de madeira do instrumento - tornando-se extremamente instável e desencadeando todos os tipos de sons que a música ocidental convencional procurou banir por considerá-los impuro e perturbador. Em vez de evitar esse notável efeito sonoro, Curtis e Radigue desenvolveram uma peça inteira que explora o tom do lobo em toda a extensão do instrumento, afinando três das cordas do instrumento para essa área de afinação, enquanto ajustam a quarta para projetar essas frequências voláteis no arremate de metal do violoncelo.